CHAZ GUEST, HERMANN NITSCH, TAMARA KOSTIANOVSKY, EDYTA HUL, DAN VOINEA, SERGIU TOMA, CHRISTOPHER YOCKEY, & DUMITRU GORZO

SLAG&RX New York a le plaisir d'annoncer « Selected Works », une exposition présentant des œuvres de Chaz Guest, Hermann Nitsch, Tamara Kostianovsky, Edyta Hul, Sergiu Toma, Dan Voinea, Christopher Yockey et Dumitru Gorzo.


À propos de Chaz Guest

Chaz Guest (né en 1961 à Niagara Falls, dans l'État de New York) est une figure importante de l'art contemporain, salué pour son exploration des récits culturels et de l'identité à travers un langage visuel expansif. Il est diplômé de la Southern Connecticut State University et du Fashion Institute of Technology (FIT) de New York, qui ont servi de base à son approche multiforme de l'expression artistique.

Les œuvres de Guest ont été présentées dans de nombreuses expositions, notamment dans des lieux prestigieux tels que Les Molières Palais Royal, Paris, France ; le Museum of the African Diaspora (MOAD), San Francisco, Californie ; et le Torrance Art Museum, Torrance, Californie. Ses œuvres font partie d'importantes collections publiques et privées, notamment celles de l'Ulrich Museum of Art, à Wichita, au Kansas, et du Zuzeum Art Centre, à Riga, en Lettonie, ce qui témoigne de la profonde influence de son expression artistique. En 2024, Guest a été invité à présenter sa technique de peinture figurative inspirée de la teinture indigo japonaise à l'Atelier Jolie, à New York.

Son art a été salué dans des publications de renom telles que The Guardian, The New York Times, National Portrait Gallery et Los Angeles Magazine, ce qui témoigne de son importance dans le discours culturel au sens large.

Résidant et travaillant à Los Angeles, en Californie, il opère depuis un studio affectueusement surnommé « la grotte », un lieu d'alchimie créative où il crée méticuleusement ses œuvres. À une époque où l'art sert de prisme essentiel pour examiner les dynamiques sociales, Chaz Guest s'impose comme une voix incontournable, tissant ensemble des histoires personnelles et collectives pour créer une tapisserie captivante de récits visuels.

Prochainement, Guest présentera ses œuvres récemment achevées lors de sa résidence à la Cité Internationale des Arts dans le cadre d'une exposition à la Fondation Florence, ainsi que dans le cadre d'une exposition solo à la galerie RX&SLAG Paris.
 

À propos d'Hermann Nitsch

Hermann Nitsch (né en 1938 à Vienne, Autriche ; décédé en 2022 à Mistelbach, Autriche) était une figure marquante de l'art contemporain, reconnu comme l'un des fondateurs du Wiener Aktionismus (actionnisme viennois).

Au cours de sa formation universitaire, Nitsch s'est particulièrement intéressé à l'expressionnisme et à l'iconographie religieuse. Reconnu dans le monde entier comme le maître de l'art performatif autrichien, il a créé un art total d'une sensualité sans limites, à la fois dionysiaque et démoniaque. Sa maîtrise impressionnante de tous les genres artistiques (arts visuels, théâtre, musique...) met en évidence des systèmes de valeurs spirituelles, philosophiques, esthétiques et sociales qui constituent le fondement de son œuvre monumentale.

Dans les années 1950, Nitsch a conçu son célèbre « Orgies Mysteries Theatre », une performance grandiose et immersive connue sous le nom de « 6-Day-Play ». Au début de sa carrière de peintre, il a utilisé une technique appelée « Action painting », qui consistait à éclabousser de la peinture sur des toiles. Certaines de ses œuvres des années 1960 intégraient du tissu et du sang, soulignant encore davantage la nature viscérale de sa vision artistique.

L'œuvre de Nitsch a été présentée dans de grandes expositions et des institutions prestigieuses à travers le monde, notamment au Museum of Modern Art (MoMA) de New York, au Centre Georges Pompidou à Paris, au Moderna Museet de Stockholm, au Leopold Museum et à l'Albertina Museum de Vienne, ainsi qu'à la Fundació Antoni Tàpies de Barcelone. En janvier 2025, le Centre Pompidou a acquis trois peintures grand format et quinze dessins, renforçant ainsi sa reconnaissance internationale.

Ses œuvres font également partie des collections permanentes de nombreuses institutions de renom à travers le monde, notamment le MoMA à New York, le Metropolitan Museum of Art à New York, la Tate Modern à Londres, le Museo Hermann Nitsch à Naples, le Museo Capodimonte à Naples, la Nationalgalerie à Berlin, le Museum Ludwig à Cologne, le Kunstmuseum à Berne et le Leopold Museum à Vienne. Son héritage est également préservé par des institutions qui lui sont dédiées, telles que le Musée Hermann Nitsch à Mistelbach (fondé en 2007), le Museo Archivio Laboratorio per le Arti Contemporanee Hermann Nitsch à Naples (fondé en 2008) et la Fondation Nitsch à Vienne (fondée en 2009).

Une grande rétrospective sera prochainement consacrée à Nitsch au musée Belvedere de Vienne, suivie d'une exposition solo et d'une performance Aktion à la Fondation Antoni Tàpies de Barcelone.
 

À propos de Tamara Kostianovsky

Tamara Kostianovsky (née en 1974) est une artiste argentino-américaine basée à New York dont le travail explore des thèmes liés à l'environnement, à la violence et à la société de consommation, utilisant des vêtements jetés pour créer des installations et des sculptures à la fois viscérales et délicates. En alternant douceur et agressivité, son travail identifie les nuances de violence qui existent entre une rencontre personnelle et sa normalisation au niveau social et écologique, faisant allusion à l'intimité trop confortable de la culture avec la violence envers toutes les espèces vivantes.

Les « carcasses » de Kostianovsky représentent ce que l'artiste appelle une « révolution botanique de la chair ». Ces œuvres constituent une réinterprétation personnelle, où les vêtements agissent comme une seconde peau, négociant les dualités de l'horreur et de la beauté, de la vitalité et de la mortalité, et mettant en évidence le terrain complexe de l'expérience incarnée. L'intégration d'images charnelles et de la culture du gaspillage nourrit son expression artistique, où les analogies entre les animaux abattus et la violence envers le corps féminin émergent de manière poignante. En réutilisant sa propre garde-robe, elle prolonge l'héritage des artistes féministes qui ont intégré des récits corporels dans leur travail, tout en s'engageant de manière critique sur les facteurs de violence sexiste et la crise climatique.

Tamara Kostianovsky a obtenu son baccalauréat en beaux-arts à l'École nationale des beaux-arts Prilidiano Pueyrredón de Buenos Aires, en Argentine, puis une maîtrise en beaux-arts à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Philadelphie, aux États-Unis.

Ses œuvres ont été exposées dans des institutions telles que la Royal Academy de Londres, au Royaume-Uni, le Brooklyn Museum de New York, le Musée de la Chasse et de la Nature de Paris, en France, le Cheekwood Museum du Tennessee, le Baker Museum de Floride, les Denver Botanic Gardens du Colorado, le Smack Mellon de New York, le Fuller Craft Museum du Massachusetts, l'Ogden Contemporary Arts de l'Utah, l'UMOCA de l'Utah, El Museo del Barrio, New York ; The Jewish Museum, New York ; The Nevada Museum of Art, Nevada ; Le Musée du Textile et de la Mode, France; The Whyte Museum of the Canadian Rockies, Banff, Alberta, Canada ; Newport Art Museum, Rhode Island ; Kunsthalle Trier, Allemagne ; Les Franciscaines Art Center, France ; le Staten Island Museum of Art, New York, entre autres.

Kostianovsky a reçu plusieurs distinctions prestigieuses, notamment une bourse Guggenheim et des subventions de la New York Foundation for the Arts, de la Pollock-Krasner Foundation, de la Virginia A. Groot Foundation, de la Sustainable Arts Foundation et de la Puffin Foundation. Elle a effectué plusieurs résidences, notamment à Yaddo, L'AiR Arts, Wave Hill Gardens, LMCC, Socrates Sculpture Park et Franconia Sculpture Park.

Son travail a été présenté dans The New York Times, The Wall Street Journal, Art in America, The Boston Globe, WBUR, The Village Voice, Marie Claire, La Repubblica, El Diario New York, Colossal, Hyperallergic, Connaissance des Arts, Le Quotidien de L'Art et de nombreuses autres publications internationales. Kostianovsky vit et travaille actuellement à Brooklyn, New York.

Elle expose actuellement ses œuvres à la Biennale d'architecture de Chicago, dans l'Illinois, et au 21C Museum de Cincinnati, dans l'Ohio. Prochainement, les œuvres de Kostianovsky seront exposées au Mauritshuis Museum, à La Haye, aux Pays-Bas (2026), à la Fondazione MDG II Palazzo Valier, à Venise, en Italie (2026), au Brandywine Art Museum, en Pennsylvanie (2026), à ArtYard, dans le New Jersey (2026) et au Musée des Confluences à Lyon, en France (2026).
 

À propos d'Edyta Hul

Edyta Hul (née en 1986 à Dobre Miasto, Pologne) est une artiste plasticienne basée à Varsovie, célèbre pour son approche innovante de la peinture à l'huile et à l'émail sur toile. Diplômée distinguée de l'Académie des Beaux-Arts de Gdansk, en Pologne (2012), Edyta a eu un impact significatif sur le monde de l'art, tant au niveau national qu'international. Ses expositions s'étendent à la Pologne, l'Italie, l'Allemagne, la Hongrie et le Danemark, où elle présente ses peintures uniques à plusieurs niveaux qui constituent des reflets personnels et intimes de ses expériences de vie.

En 2023, Edyta a franchi une étape prestigieuse en remportant le Grand Prix de la 46e Biennale de peinture, Bielska Jesien, Pologne. Son parcours artistique comprend des résidences notables telles que le programme Artist in Residence Q21 au Museums Quartier, Vienne, Autriche (2019) et la résidence d'artistes Pienków, Pologne (2018). La contribution d'Edyta aux arts a été récompensée par des bourses du ministère polonais de la Culture et du Patrimoine national (2020). Parmi ses récentes réalisations, on peut citer une exposition solo à la Galerie nationale Zacheta, à Varsovie, en Pologne.
 

À propos de Dan Voinea

Dan Voinea (né en 1970 à Brasov, Roumanie) est un peintre roumain qui vit et travaille à Craiova, connu pour ses œuvres figuratives chargées de sens psychologique. Ses peintures oniriques exposent le passé et le présent dans des œuvres parfois aliénantes, parfois désorientantes, parfois inquiétantes, mais toujours rendues avec puissance ; le résultat est une œuvre à la fois sinistre et nostalgique. Voinea mélange les pratiques traditionnelles et contemporaines dans ses œuvres émotionnelles : il construit des scènes en mettant en scène des modèles vivants, prend des photos de leurs différents mouvements et interactions, puis peint en utilisant une technique ancienne. À première vue, ces œuvres dégagent une atmosphère inquiétante, mais plus le regard s'attarde sur ces surfaces ambiguës, plus les profondeurs mystérieuses et les perspectives audacieuses annoncent une élévation qui affirme la vie.

Voinea est diplômé de l'Université nationale des arts de Bucarest, en Roumanie, où il a obtenu une licence en arts plastiques, option peinture. Il a exposé dans de nombreuses institutions prestigieuses, notamment au Musée national d'art de Timisoara, en Roumanie, au Musée Brukenthal de Sibiu, en Roumanie, au Musée d'art contemporain de Boulder, dans le Colorado, aux Cordeliers, à Romans-sur-Isère, en France, et à la S.A.N., à Sénart, en France. Plus récemment, Voinea a présenté son exposition solo, Between Seconds: A Choreography of a Fall, à l'espace artistique Borderline à Iasi, en Roumanie.
 

À propos de Sergiu Toma

Sergiu Toma (né en 1987 à Baia-Mare, Roumanie) est un artiste qui vit et travaille à Cluj-Napoca, en Roumanie. Il est connu pour ses peintures à l'huile réalisées dans un langage visuel figuratif, marquées par une exploration du médium pictural en soi. Toma s'inspire notamment du théâtre, de la Renaissance et du baroque, ce qui se reflète dans son imagerie dynamique, son approche ludique de la lumière et de l'ombre ou sa quête des qualités mystérieuses de la peinture. Des scènes oniriques et des scènes de la vie quotidienne trouvent leur place sur les toiles de l'atelier de Toma, oscillant entre fiction et réalité, quotidien et fantaisie, mémoire et oubli.

Après avoir étudié à l'Accademia Albertina delle Belle Arte de Turin, en Italie, et à l'Université d'art et de design de Cluj-Napoca, en Roumanie, Sergiu Toma a obtenu son master au département de peinture en 2011, suivi d'une résidence à l'Académie roumaine de Rome, en Italie.

Toma a présenté son travail à la Galleria Doris Ghetta à Ortisei, en Italie, et à la Galerie Fravi à Domat/Ems, en Suisse. Il a participé aux expositions collectives The Wanderers: Contemporary Painting from Cluj à la Taittinger Gallery à New York, NY, organisée par Maria Rus Bojan et Richard Taittinger ; Romanian Scene à l'Espace Culturel Louis Vuitton à Paris, FR ; et European Travellers: Art from Cluj Today à la Mucsarnok Kunsthalle à Budapest, HU. Les œuvres de Sergiu Toma font partie de collections privées nationales et internationales.
 

À propos de Christopher Yockey

Christopher Yockey (né en 1976 à Detroit, Michigan) est un sculpteur qui vit et travaille actuellement à New York. Yockey est titulaire d'une maîtrise en beaux-arts de la Cranbrook Academy of Art et d'une licence en arts de l'Elmira College. Yockey a participé à des expositions à Pékin, en Chine, à la Peace Tower du Whitney Museum of Art, à New York, au Frederick Meijer Sculpture Park, à Grand Rapids, dans le Michigan, au Grand Rapids Art Museum, dans le Michigan, et par l'intermédiaire du New York City Parks Department. Yockey est actuellement artiste en résidence à la Athena Foundation, bénévole au Socrates Sculpture Park et assistant artistique de Mark di Suvero.

Grâce à sa collaboration avec Mark di Suvero, Yockey a développé sa pratique en utilisant des déchets d'acier et des chutes provenant de l'atelier de di Suvero pour construire ses formes. Son travail met l'accent sur les motifs, la structure et les irrégularités naturelles inhérentes à l'artisanat manuel. Yockey utilise notamment des rondelles comme pochoirs, répétant leurs formes circulaires sur l'acier pour créer des motifs complexes. En fin de compte, ses sculptures reflètent à la fois une histoire commune plus large au sein du matériau et un engagement à transformer ce qui existe en quelque chose de nouveau.
 

À propos de Dumitru Gorzo

Dumitru Gorzo (né en 1975 à Ieud, Roumanie) est un artiste roumain basé entre Brooklyn et Bucarest. Le travail de Gorzo défie toute catégorisation stricte, oscillant entre les genres, les plateformes et les médias. Gorzo est titulaire d'une licence et d'un diplôme d'études supérieures en peinture de l'Université nationale des arts de Bucarest, en Roumanie, et est l'un des membres fondateurs de « Rostopasca », un mouvement artistique contemporain influent en Roumanie.

Gorzo a présenté ses œuvres dans le cadre d'expositions individuelles au Musée national d'art contemporain (MNAC) de Bucarest, en Roumanie ; au Musée d'art récent (MARe) de Bucarest, en Roumanie ; au Musée d'art contemporain du New Jersey (NJ MoCA), dans le New Jersey, aux États-Unis ; au Musée national Brukenthal de Sibiu, en Roumanie ; au Kunstverein Viernheim de Viernheim, en Allemagne ; au Borderline Art Space de Bucarest, en Roumanie ; la galerie Arsmonitor, Bucarest, Roumanie, ainsi que dans des galeries d'art et des institutions artistiques à but non lucratif aux États-Unis et en Europe. Il a participé à de nombreuses expositions collectives dans des lieux prestigieux tels que la Biennale de Venise 2001 (pavillon roumain), Venise, IT ; la Biennale d'Istanbul, Istanbul, TR ; le Marina Abramovic Institute, San Francisco, CA ; la Kunsthalle, Budapest, HU ; le MODEM, Debrecen, HU ; le Museum Küppersmühle, Duisburg, DE ; et le Boulder MoCA, Boulder, CO, entre autres.

Actuellement, le MARe/Musée d'art contemporain de Bucarest accueille l'exposition solo de Dumitru Gorzo, « INWARDS/OUTWARDS », un dialogue visuel et conceptuel entre espace personnel et espace public, entre le corps et le paysage urbain, entre réalité matérielle et fiction subjective.